Фотоимпрессионизм

Все знают такое направление живописи, как импрессионизм, когда художники стремятся наиболее естественно и не предвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления (impressions), которые краски предметов и фигур производят при различном освещении, избегая при этом всяких подробностей.

Уверен, у большинства импрессионизм ассоциируется с полотнами французских художников конца 19 века. В то время главными покупателями искусства была городская буржуазия и, следовательно, к ее требованиям и вкусам стремились приспосабливаться профессиональные портретисты, в том числе и фотографы. Нельзя, конечно, проводить полную аналогию в становлении живописи и фотографии, но основные тенденции их развития во многом совпадают. Художественная фотография, как и живопись, пережила декаданс, выражавшийся в разрушении формы, вычурности рисунка, аллегоризации.

В их работах, благодаря увлечению ритмом линий и световыми эффектами, человек как объект изображения представал бездушной величиной, приравненной к натюрморту.

В 1912 году популярный журнал «Солнце России» опубликовал специальную статью «Фотоимпрессионизм», иллюстрировав ее работами мюнхенских фотографов

В фотоимпрессионизме обозначился отход от четкости реальных форм ради светового пятна, расплывчатого силуэта. Тающие контуры, прозрачная дымка полутонов, раздробленность композиции — все это демонстрировало пренебрежение материальной предметностью мира.

Некоторые критики в пылу поверхностных сравнений выделяли в фотоэкспрессионизме преобладание резкоконтрастного, «рембрандтовского», света.

Так проявляло себя эпигонство формалистов, выражавшееся в отказе от идейно-образного познания действительности.

Фотографы всегда пытались преодолеть гиперреализм фотографии, используя оптические искажения, различные методы печати и прочие уловки.

Еще в конце XIX века в европейском и американском фотографическом искусстве возникло течение, приверженцы которого стремились к пикториальному (картинному, подражающему живописи) фотографическому изображению. Пикториализм – часто называют фотографическим импрессионизмом. Для достижения пикториального эффекта фотографы использовали особые техники съемки и печати: мягкорисующие объективы, фильтры, обработка позитива бихроматами, солями серебра....

Светлана Маковецкая – один из современных российских мастеров пикториальной фотографии. Журналист по образованию, Светлана начала профессионально работать в художественной фотографии в 1995 году. Участница многих Российских и зарубежных выставок, лауреат фотобиеналле в Токио за серию “Японцы глазами Европейца”, а ее серия “Японский сад” экспонировалась в Музее Востока.

В буржуазных салонах на рубеже двух веков большим успехом пользовались символические фотокомпозиции австрийца Пихие и американки Анны Бригман.

Мультиэкспозиция позволяет получить нечеткие границы объектов, передавая краски предметов. Например американский фотограф Пеп Вентоза (Pep Ventosa) накладывает друг на друга множество снимков одного и того же знаменитого туристического места, получая при этом нечеткое, но необычное изображение.

Игра с водой, съемка отражений в воде и любых причудливых зеркальных поверхностях – еще один способ получить импрессионизм в фотографии.

Похожие на полотна художников импрессионистов фотографии создаёт Барбара Коул (Barbara Cole), фотограф из Торонто. Серию фотографий Chromatics с первого раза легко принять за картины, а не за искусные подводные фотографии.

Cristophe Jacrot – фотограф дождя из Франции. “Мне нравится романтический дождь и воздушный снег. Эта погода – прекрасное фотографическое поле, визуальный мир природы. В этом мире большинство из нас слишком заняты, чтобы скрыться от осадков. Человек становится призрачной фигурой, блуждающим и послушным капризам дождя и снега”

Длинные выдержки вкупе со сдвигом камеры и зумированием использует Nikhil Bahl в своих работах. Однако эта техника не совсем простая, какой кажется на первый взгляд. Результат должен быть в голове у автора перед съемкой, это не просто хаотичные движения камерой.

Длинные выдержки вкупе со сдвигом камеры и зумированием использует Nikhil Bahl в своих работах. Однако эта техника не совсем простая, какой кажется на первый взгляд. Результат должен быть в голове у автора перед съемкой, это не просто хаотичные движения камерой.

Сказки и детективы

Eugenio Recuenco – одна из самых заметных и выдающихся фигур в испанской фэшн-фотографии. Он снимает для Voque, Madame Figaro, Spoon, Vanity Fair, Vanidad и других журналов. Работает исключительно с испанским Voque, то же самое касается и многих престижных марок, таких как Chanel и Louis Vuitton…
На официальном сайте* вполне категорично и предельно ясно написано, что «Еугенио – «заноза в заднице», потому что всегда настаивает на том, чтобы делать именно то, что он хочет делать". Стоит отметить, что далеко не все фотографы (а точнее – единицы) могут себе это позволить, потому что большинство клиентов абсолютно также хочет видеть то, что хочет видеть. В связи с этим возникают многочисленные несостыковки между заказчиками и фотографами\дизайнерами\иллюстаторами, это одна из вопиющих проблем и острых вопросов намедни: «Как объединить желания клиента и исполнителя? Кто должен диктовать условия? Чья идея – главенствующая? Кто прав? Кто хозяин?». Еугенио на этот вопрос ответил, и себе, и миру: «Я». Не согласиться невозможно, его работы завораживают художественностью, идейностью и оригинальностью.
Примечательно еще и то, что фотограф не ограничивает себя какими-либо рамками, не снимает одно и то же, запас его идей, кажется, безграничен.
Наряду с большеглазыми порочными куколками из серии “Dreams” (см.выше), он вполне готов и к благородному ретро, причем с сюжетом. Например вспоминается его детектив “Crimen perfecto” для Voque:
На самом деле, перечислять и показывать его работы можно до бесконечности. Они все – разные. Я часто встречала его снимки в разных блогах и пока не забила в гугл “Eugenio Recuenco”, даже не представляла, что все эти работы, которые я видела раньше, его. Теперь Еугенио – один из моих любимых фотографов, чьи фотографии – это не просто красивые картинки с глянцевыми моделями, а маленькие кусочки другого мира с собственными тайнами и откровениями.

"ИЗ ЖИЗНИ ДЕЯТЕЛЕЙ". ИРА БОРДО.

В новом XI сезоне AW2012, мы начали серию публикаций:
«Из жизни деятелей».
Интересные факты из жизни деятелей Артмола и друзей.
Фотограф
Сказать про фотографа, что он чувствует свет — все равно что похвалить актера за хорошую память — надо же, сколько слов запомнил. Меж тем, в устах иного актера слова звучат как свои собственные, а в отпечатках фотомастеров свет настолько естественно прекрасен, что источник его неопознаваем. Ира Бордо идет на свет уверенно и бесстрашно, как ребенок на большую собаку, и уже совершенно не по-детски приручает его.
В серии «Без суеты» опыт взгляда, совпадающего со светом, приобретает характер своеобразной аскезы. Бордо отказывается от одного из важнейших контрапунктов современной модной фотографии — постпродакшна, позволяя увидеть неуловимо тонкий слой картинки, максимально приближенный к жизни. Это делает Ира Бордо, известная всему глянцевому модному сообществу как мастер блистательной, совершенно нетехнической, художественной обработкой своих фотографий. Со стилистами и мастерами мейкапа она творит чудеса, которые можно отнести к разряду искусства. Здесь же случилась полная отмена каких-либо действий после получения кадра и, наблюдая одну за другой фотографии, мы видим как проступает фреска. Происходит волшебная алхимия естественности лиц, мыслей, тканей и историй, собранных воедино вдумчивым взглядом фотографа. Несегодняшние лица, пластика и настроение тем внятнее, чем больше природной красоты в каждой модели, отобранной для живописной серии. Неизбежная, вполне уместная ассоциация возникает то ли с работами раннего Возрождения, где в ликах вдруг стали проступать лица, а в богах — человеческое, то ли со зрелым средневековьем Вермеера и Рембранта, где скудный антураж изображаемого (ни тебе дичи на столе, ни самого стола) восполнен чувственностью и глубиной каждой, пусть даже не самой правильной черты лица. Взгляд внутрь себя, естественный поворот головы, минимально и точно подобранное обрамление — более чем достаточное для завершенности образа.

Фотограф: Michal Macku

Чешский фотохудожник Михал Мацку с помощью особой техники "желлаж" создает экспрессивные и мрачные одновременно произведения, которыми можно иллюстрировать рассказы о ужасах тоталитарных режимов, страданиях рода человеческого или личностных конфликтах.
“Желлаж”( Gellage) – это слово являет собой сочетание слов “желатин” и “коллаж”. Суть этой уникальной техники – в накладывании слоя фотожелатина на бумагу, что в итоге может привести к совершенно потрясающим результатам: желатин изменяет фотографию до неузнаваемости. Работы Michal Macku действительно невозможно сравнить ни с чем: невероятное сочетание объектов, достигнутое без всякого фотошопа.
Михал Мацку родился 17 апреля 1963 года в Брунтале, Чехословакия. С детства Михал интересовался скульптурой, живописью и графикой, посему изначально готовился стать художником. Образование получил на Технологическом Факультете Политехнического Института Брно и Институте Художественной Фотографии в Праге. В 1989 изобрел собственную технику создания фотографии и назвал её «Gellage». Ныне продолжает развивать её, работает на Чешском Телевидении в Брно, в соавторстве с которым недавно снял первый анимационный gellage-фильм.

Фотографии Джеймса Хьюстона

Джеймс Хьюстон - фотограф\режисёр из Нью-Йорка (родился в Австралии), признан одим из ведущих фотографов нашего времени.Участвует в движении борьбы со СПИДом, снял документальный фильм для подростков под названием "Поговорим о сексе"( 'LETS TALK ABOUT SEX' )
Хьюстон также работает с такими знаменитостями, как Хью Джекман, Джессика Альба, Кирстен Данст, и Кейт Бланшетт,а также с фирмами : L'oreal Paris, Donna Karan, Hugo Boss и GAP.

Мир глазами Cynthia Greig

Cynthia Greig живет и работает в Детройте. С 1990 года Синтия была посвящена исследованию фотографии. У неё довольно много разнообразных работ.
Сама она про них говорит вот что: «Я очарована фактом, что почти всё (от темных очков и камер до шприцов и презервативов) может быть найдено в миниатюре. Я заинтригована собрать такие крошечные точные копии объектов от нашего собственного материального мира. Как меньший заместитель масштаба оригинала, миниатюра, кажется, подразумевает существование некоторой альтернативной вселенной, где мы (как большие тела) походим на богов.
Здесь гигантские взрослые фигуры вторгаются в клаустрофобный мир карликовых темных очков, оружия и ключей. Это пересечение весов нарушает предполагаемое совершенствование миниразмерного мира фантазии. Как зрители, мы должны заново продумать нашу точку зрения. Юмористические и абсурдные рассказы разворачиваются в процессе урегулирования и интерпретации»

Тонкие материи в фотографии Томека Янковски

Томек Янковски - талантливый фотограф-портретист родом из Польши. Он безупречно хорош во всех жанрах, за которые берется, будь-то фэшн, файн арт или уличная жизнь.
В этом посте, предлагаю вам посмотреть последние работы Тома из проекта B ALBUM, а также некоторые фотографии из его философского проекта Tissue. Кстати, я очень надеюсь что на серию Tissue обратят внимание менеджеры арт центров и организаторы фото выставок. Проект действительно очень серьезный и интересный, хотелось бы увидеть его в более крупном масштабе.

Франко Фонтана - первооткрыватель фотографической линии

Вернувшись из поездки по Тоскане, я принялся за отбор фотографий. Контрастные линии – границы между полями, одинокие деревья на холмах, тонкий переход одного цвета в другой. «Интересно, как снимали это другие, удалось ли кому-нибудь точно передать всю палитру цветов Тосканы?» - подумал я и полез в интернет за ответом. Современные фотографы в основном делают упор на тональный контраст и идеальную техничность, при этом фотографии становятся «пластиковые» и бездушные. А что раньше? А раньше был Франко Фонтана – мастер цветной пейзажной фотографии. Его пейзажи Тосканы гармоничны и насыщенны, напоминают картины, а не фотографии.
 С 70-х годов XX века его работы, благодаря своему неповторимому и узнаваемому стилю, стали рассматриваться как эталоны в области цветной фотографии. Невероятное чувство композиции, истинно геометрическое построение кадра, волшебный выбор цвета – это то, что выделяет его среди сотен своих коллег. Простые, минималистские пейзажи удивляют своей глубиной и богатством, а также невольно напоминают зрителю о творчестве художников-абстракционистов, столь же умело обращавшихся с цветовыми точками и линиями на плоскости.
Его называют первооткрывателем фотографической линии. Франко Фонтана начал работать как фотограф-любитель в 1961 году, в 1976 году увидела свет первая громкая выставка. Сегодня он сотрудничает с крупнейшими изданиями, делает рекламные кампании для монстров автопрома и модных домов, а кроме того, он просто-напросто художник, которому посредством фотографии удается создавать удивительные картины. Работы Франко Фонтаны находятся в крупнейших музеях мира.

     Главное в творчестве этого фотографа — цвет. С помощью природной или городской палитры Фонтана «рисует» гармоничные и насыщенные полотна, на которых можно увидеть как картины родной художнику Италии, так и проследить маршруты его многочисленных путешествий. Горы, море, берег, холмы и поля предстают чередой разноцветных полос, иногда контрастных, иногда в единой гамме. Городские кадры, напротив, — это яркие контрастные комбинации, составленные из окон, крыш и стен, практически супрематическая живопись, но пойманная в реальности.
 Он «пересмотрел» цвет как выразительное, а не только документальное, средство, он изучал пейзаж, зачастую в провокационной манере, чтобы показать разницу между природным пейзажем – натуральным, – и сделанным, то есть сконструированным. Это способствовало поиску новых знаков, структур, хроматических поверхностей, отвечающих его творческому началу и фантазии. Одна из его техник состоит в том, что пейзаж склеивался из нескольких кусочков, снятых в разные моменты времени, подчеркивающие определенные цвета и состояния, а затем снова фотографировался.

     Естественные формы у Фонтана становятся лишь подготовительным фоном для удивительных красок, и, таким образом, можно сказать, что вид становится виденьем. Автор подсказывает нам пространства метафизического ряда, проникнутые духом неизведанного или неправдоподобного космоса.
 “Я стараюсь изолировать в пространстве и времени все, что обычно путают с бесконечностью деталей. Извлечение и выделение некоторых наиболее значимых элементов из всего, что предстает перед человеческим взором – одно из главных моих требований ” – говорит Франко Фонтана.

Небесный Дрэг-Рейсинг

Начиная с первой части фильма Форсаж выпущенного в 2001 году, дрэг-рейсинг был признан автомобильными энтузиастами как новая веха в глобальной уличной культуре. Находящийся в Австралии фотограф Саймон Дэвидсон захватил камеру и отснял потрясающий и наполненный адреналином спорт, который охватил весь мир. Его серия снимков известна просто как Burnouts, погружена в самый центр дыма, огня, горелой резины и потрясающе украшенных автомобилей.
От каждого кадра проявляется зыбь волнения, чувствуется действие в тумане дыма и энергии несущегося на тебя Шеви. Просто видеть водителя, его кулаки выброшенные из окон автомобиля, занос создающий клубы адского дыма, все это увеличивает скорость просмотра и дает прочувствовать прилив восторга.

Фотограф Erwin Olaf

Знаменитый голландский фотограф Erwin Olaf обладает довольно-таки специфическим чувством юмора. Иногда он прячет свою иронию над человеческой сущностью за маской серьёзности и вылизанного абсурда, иногда – за ширмой средневекового эстетизма, иногда – под покровом возбуждающей игры. А порою выставляет свой сарказм напоказ. И все эти придурковатые девочки, нелепые старушки и двусмысленные юноши оказываются не просто нашим кривым зеркалом – они показывают, как мы, желая видеть себя невероятно глянцевыми и роскошными, влипая в представление о том, какими необходимо быть, впадаем в забавную пошлость.
Персонажи, мечтающие быть другими персонажами вызывают улыбку.
Хотя у кого-то, наверное, могут вызвать и нервную дрожь, и мурашки-по-коже.
Тем не менее – а может, именно поэтому – Олаф ведет не только выставочную деятельность, но и активно работает для таких серьезных изданий, как New York Times, IF, а компании, для которых он делал рекламу, вроде Microsoft, BMW, Disel, даже перечислять не имеет смысла.